Pink Freud

Sorry Music Polska

 Zen Possé, 2003

Una manera de describir lo que sucede en el álbum Sorry Music Polska de Pink Freud es hablar de elementos de free jazz, electrónica y jazz fusión al estilo de Miles Davis en los 70s. A lo largo de los tracks que conforman el disco podemos escuchar una batería caracterizada por ritmos fragmentarios, en la tónica de drum and bass, break beat o downbeat de la música electrónica (sólo que en versión acústica). Esas formas de groove son hipnóticas (¿la desfragmentación de nuestro tiempo?). Encima suena un bajo de riffs simples y muchos ostinatos que inyectan cierta densidad al factor rítmico de las baterías. En el siguiente layer sonoro (¿o detrás de todo?) suele haber texturas de pads de sintetizador, o los acordes y arpegios de un vibráfono o un órgano. Y finalmente, es una melodía de trompeta la que da sentido a cada tema, ya que sin ella estaríamos frente a puras abstracciones rítmicas. Sin duda, la trompeta da sentido a todo los demás instrumentos. Por otra parte, es interesante el efecto semántico que produce el uso de procesadore sobre el instrumento cantante (el que interpreta las melodías de los temas, en este caso la trompeta)... ¿qué metáfora produce el uso de reverbs, o el uso de wahs, distorsiones, choruses? Es difícil de explicar en un primer vistazo, pero es notorio el uso del recurso y la apertura de posibilidades que ello conlleva. El discurso de lo electroacústico, la electrificación del ensamble tradicional. Lo mismo que Miles hiciera en sus famosos discos In a Silent Way y Bitches Brew. Hay que decir que también el bajo eléctrico es procesado en algunos casos, y que el baterista usa sonidos electrónicos en ciertos tracks. Otro recurso utilizado en este álbum son los samples, lo cual hermana todavía más el sonido de la agrupación con la música electrónica (ya sabemos que el sampling es una de las herramientas básicas de cualquier dj). Finalmente no podemos dejar pasar el curiosísimo hecho de que en el disco haya una versión instrumental de un tema de los grungeros de Seattle, Nirvana. Se trata de la canción Come As You Are. La versión es provocativa y original. Los polacos de Pink Freud son una banda con un discurso bastante interesante dentro de la escena del jazz internacional. Hay que seguirlos.

Miles Davis

The Complete 

Concert 1964

Sony, 1992

A principios de 1964 el quinteto de Miles Davis estaba conformado por Tonny Williams, Ron Carter, Herbie Hancock y George Coleman. Algunos meses después Coleman se iría para dar paso a Wayne Shorter y dar pie a ese mítico quinteto que produciría los últimos y potentes discos de la historia de Miles con ensambles acústicos. De aquella temporada (antes de Shorter) hay dos grabaciones citadas como clásicas: Miles Live in Europe y My Funny Valentine. Este último disco es considerado por el biografo más importante de Miles Davis, Ian Carr, como una de las mejores grabaciones en vivo existentes en la carrera del trompetista. Se trata de un concierto ofrecido en febrero de 1964 en el Philarmonic Hall de Nueva York. El concierto muestra la profundidad alcanzada en ciertos temas clásicos, especialmente las baladas. My Funny Valentine, por ejemplo, es intepretada por Miles de una manera sumamente abstracta. En palabras de Carr: "Miles Davis explora los aspectos técnicos y emocionales de las estructuras de las canciones estándar lo más lejos posible sin desitegrarlas por completo y metaformosearlas en otra cosa". Aunque el concierto se editó primero en un sólo disco con los temas "lentos" (My Funny Valentine, All of you, Stella By Starlight, All Blues, I Thought About You... sin embargo, All Blues es tocado considerablemente más rápido que en el disco Kind of Blue), posteriormente se incluyeron también los temas "rápidos" del concierto (So What, Walkin', Joshua, Four, Seven Steps to Heaven y There is no Greater Love) en otro disco de 1966 llamado Four and More. El album que reseñamos ahora es una reedición con todo el concierto completo. Básico en la discografía de Miles.

John Scofield

A Go Go 
Verbe Records, 1998

La menor cantidad de elementos sonoros, sólo los suficientes para mantener el factor rítmico vivo. Esa parece ser la consigna de Scofield en este disco que es célebre por su calidad y por los musicos que conforman la banda: Medeski, Martin and Wood (conocidos como MMW en su proyecto de grupo). En A Go Go cada uno de los temas suena mucho a un esbozo, a brevísimos licks entrelazados. Y es que se trata, como nos ha enseñado el jazz desde sus más remotos orígenes, de utilizar pretextos para la improvisación. Sin embargo, en este caso no se trata sólo de improvisación, sino que hay otro protagonista: el pulso. El pulso como una fuerza sonora que somete al oyente y lo obliga a moverse de acuerdo con un patrón que subdivide el tiempo en fragmentos iguales. Pulso-impulso, lo que suele llamarse groove. ¿Qué otorga la tremenda vitalidad a grooves como los contenidos en los temas de A Go Go? ¿Qué lo diferencia del golpe perfecto de un metrónomo? La respuesta es sólo una hipótesis: 1) la oscilación: a diferencia de una máquina, el pulso rítmico de los humanos oscila. Si bien es necesario que permanezca una constante, siempre parece ocurrir un deslizamiento microscópico que establece una identificación con la misma condición del corazón, órgano del pulso por excelencia. 2) La síncopa, la posibilidad de acentuar el carácter de ese pulso que se expresa siempre de una manera binaria (arriba-abajo, abierto-cerrado, sonido-silencio, etc.) a través de subdivisiones simétricas y proporcionadas en el espacio intermedio que existe entre cada golpe que marca el ritmo... A Go Go de John Scofield puede verse como un bello ensayo sobre las posibilidades de lo mínimo, y las posibilidades del ritmo, del groove. Imprescindible.

John Scofield - Guitarra eléctrica, guitarra acústica, silbato
John Medeski - Organo, wurlitzer, clavinet, piano
Chris Wood - Contrabajo, bajo eléctrico
Billy Martin - Batería, pandero

 Miles Davis

'58 Miles

 Columbia Records, 1958




 

El album reune dos grabaciones separadas, una en estudio, y otra en vivo. Suena uno de los ensambles históricos del jazz, la primera grabación del sexteto que trabajaría en la elaboración del mítico Kind of Blue. Versiones de referencia de los temas clásicos Stella By Starlight, Straight, No Chaser, On Green Dolphin Street. La cohesión del grupo es extremadamente sobresaliente. Resaltan los contrastes entre las aproximaciones a construcciones modales de Bill Evans y Miles Davis y la furia desinhibida y feroz de Coltrane y Cannonball Adderley. La interpretación de Miles de las baladas es notable (My Funny Valentine y Stella... de manera particular). El trabajo de Bill Evans en el piano genera una especie de espesor armónico inusual hasta entonces en el sonido del jazz. Por otra parte, los solos de Coltrane ya anuncian la bomba que explotaría en su trabajo como líder de banda un par de años después. Cannonball Adderley muestra su propio virtuosismo sin quedar atrás frente a Coltrane. Y a partir de Jimmy Cobb y Paul Chambers puede elaborarse un tratado sobre swing y walking (además resulta sorpredente el virtuosismo de Chambers en la interpretación de su sólo en My Funny Valentine). Un dato marginal: este disco se ha editado también con otros dos nombres, 1958 Miles y '58 Sessions. Un dictamen: quiérase o no, es un disco importante, como casi todos los de Miles, pero de cualquier manera hay que señalar que toda valoración (del tipo que sea) implica un juicio (o prejuicio), que en este caso (tratando de ser conscientes de lo inconsciente y de la inevitable subjetividad) será simple: este es un album maravilloso.

Miles Davis – Trompeta
Julian "Cannonball" Adderley – Saxofón alto
John Coltrane – Saxofón tenor
Bill Evans – Piano
Paul Chambers – Contrabajo
Jimmy Cobb – Batería

Joe Henderson

Page One

Blue Note, 1963

Primer disco de Joe Henderson, uno de los saxofonistas más importantes de la segunda mitad del siglo XX en la historia del jazz. Page One es sobre todo un disco de hard bop, incluso a pesar de los dos temas de 'latin' incluidos en el album: Blues Bossa (escrita por Kenny Dorham y convertida en uno de los stadards de jazz más populares hasta hoy) y Recorda Me, los cuales podrían verse en realidad como interpretaciones hardboperas de los ritmos brasileños de moda en los 60s (el bossa nova). Sobresale el dominio y la voz propia que Henderson logra con su saxofón tenor en una década cubierta por las enormes sombras de John Coltrane y Sonny Rollins. Page One, imperdible del hard bop.

Joe Henderson – Saxofón tenor

Kenny Dorham – Trompeta

Pete La Roca – Batería
McCoy Tyner – Piano
Butch Warren – Contrabajo

David Torn

Prezens

ECM, 2007

 

Generación de ambientes y texturas eléctricas a manera de paisajes de fondo dentro de los cuales suena el acompañamiento de batería, notas de órgano, y un saxofón. De manera simplificada, esa podría ser la descripción de lo que se puede escuchar en Prezens de David Torn. Pero digamos un poco más. Prezens es un disco con el peculiar sonido 'oscuro' de las grabaciones históricas de ECM. Ambiente sonoro, texturas oscilantes, entramados armónicos permanentes, riffs e incluso planteamientos de toda una sección rítmica son algunas de las cosas que ofrece la guitarra de Torn y su(s) máquina(s) de loops; composiciones construidas en su mayoría a partir de la utilización de samples. A esta sinfonía electrónica se superponen los patrones rítmicos de baterías con reverbe y sonidos de orquesta sintética producido por un Mellotron, el sonido generado se convierte en un mar sobre el que navega un saxofón. En Prezens el discurso musical insiste en su 'actualidad': escuchamos repertorios y aproximaciones sobre la improvisación que apuntan con fuerza a la tradición del free jazz, aunque liberado de compromisos; al mismo tiempo el sonido del album pasa por el cedazo de los dialectos del sampling desarrollados en la música electrónica urbana de los últimos treinta años y la música formal que se ha dedicado a explorar la composición con medio electrónicos. Podría decirse que Torn ha logrado un trabajo lleno de posibilidades (de lectura, de escucha). Un album enriquecedor del vocabulario del jazz por un lado, y de la música basada en los recursos de la electrónica por otro.

David Torn - Guitarra, Sampling
Tim Berne - Saxofón alto
Tom Rainey - Batería
Craig Taborn - Hammond, Mellotron, Fender Rhodes

Contemporary Noise Sextet

Ghostwriter's Joke

Electric Eye Records, 2011

Hace un par de días los comentaristas de este blog hemos sido partícipes de un hallazgo muy afortunado. Nos referimos concretamente al descubrimiento de un proyecto joven de la escena jazzística de Polonia, se trata de Contemporary Noise Sextet. El grupo, al parecer originado a mediados de la primera década de este nuevo siglo, cuenta ya en su haber unos cuantos discos (tenemos noticias de al menos tres) que se muestran como un indicio de la existencia de una pujante escena jazz europea que no se trata ya sólo de ECM o de variaciones sobre el sonido americano sino de una voz que aunque abreva de las mismas raices de las que bebió Armonstrong o Ellington, se encuentra concentrada en su propia búsqueda, en su propio desarrollo. Ghostwriter's Joke contiene siete temas que suenan con potencia y contraste, desde el meditativo track 'Walk with Marilyn' hasta los casi furiosos ostinatos en 7/4 de 'Morning Ballet' o la histeria psicótica de 'Norman's Mother' (sobre la cual uno no puede evitar preguntarse si se trata de una referencia a Mailer). Disco totalmente recomendable. Importante seguir a este proyecto polaco y rastrear sus álbumes anteriores.

Kuba Kapsa - Piano
Wojtek Jachna - Trompeta
Tomek Glazik - Saxofón tenor
Kamil Pater - Guitarra
Patryk Weclawek - Contrabajo
Bartek Kapsa - Batería

Herbie Hancock
Maiden Voyage
Blue Note, 1965

Quizá el primer disco "ampliamente" reconocido y escuchado de Herbie Hancock. En 1965 Hancock sólo tenía 25 años y ya formaba parte del segundo quintento histórico de Miles Davis. Y aunque Maiden Voyage es en realidad un trabajo paralelo a lo que desarrollaba con Miles, es un disco con temas que sugieren una madurez desconcertante. El jazz le debe no pocas cosas a este album. Si se trata de situarlo dentro del género podría decirse que se encuentra en el área del jazz modal a la vez que pisa los terrenos del hard bop. Definitivamente imperdible.

Herbie Hancock — Piano
Freddie Hubbard — Trompeta
George Coleman — Saxofón tenor
Ron Carter — Contrabajo
Tony Williams — Batería